22 Nov blog
EL ARTE EN LA MODERNIDAD Y LA CONTEMPORANEIDAD.
¿Qué es arte?
“Arte no es una cosa, es una manera”.[1]
El contexto socio histórico del arte en la era postmecánica lo definió la revolución industrial. Esto fue en la segunda mitad del s. XVll y primera mitad del s. XX, hubo una evolución social a partir de nuevas tecnologías como electricidad, telégrafo, cable, submarino, vacunas, ferrocarril, motor de combustión interna, buque de vapor, fonógrafo. etc.
Por ende, surgieron nuevas clases sociales como el proletariado y la burguesía, el capitalismo y el control de los medios de producción.
LA FOTOGRAFÍA Y EL CINE
La primera imagen que se conserva es la del artista Joseph Nicéphore Niéoce: Vista desde la ventana en Le Gras, 1824.[2]
Louis Daguerre usa sales de plata para crear la cámara daguerrotipo con ayuda del estado Fránces, lo lanza públicamente en 1839. [3]
Boulevard du Temple, Louis Daguerre, 1838. [4]
Janette Casas comparte a través de fotografías un poco de la finca que fue concebida por el premio Pritzker mexicano, Luis Barragán, por encargo de su amigo Efraín González Luna, quien vivió con su familia en la casa, hasta su muerte en 1964. Esta casa juega con el manejo de luces, circulación del viento y frescura, en donde las personas se sienten enamoradas e identificadas con los detalles.
A través de estas galería podemos presenciar el espacio de estos lugares y así, es posible capturar su esencia y objetivos de cada lugar, para mantener la mirada en la obra que vale la pena presenciar.
-
- Casa ITESO Clavigero – 2018, Janette Casas.
EL CINE
(El regador regado) son dos cortometrajes rodados por Louis Lumière: uno en 1895 y otro en 1896. El resultado del primer rodaje es especialmente valorado, porque es el primer trabajo de cine en que se empleó un argumento y que no parece un documental. Se trata a la vez de la primera ficción cinematográfica y de la primera película cómica. Fue exhibida en primer lugar en un sótano parisino el 10 de junio de 1895.
Cartel para L’Arroseur Arrosé, 1895. [5]
“Un quinetoscopio con la tapa abierta, mostrando la película: una cinta sin fin; y el visor superior abierto”.
Kinetoscopio, Edison. [6]
LA OBRA DE ARTE EN LA ERA DE LA REPRODUCTIBILIDAD TÉCNIDA DE WALTER BENJAMÍN.
El aura es la politización del arte, representa la manera importante de cómo se realiza el trabajo, no se habla de una obra de arte auténtica o única, si no hablamos de, un objeto artístico del uso cotidiano con algunas cualificaciones estéticas.
Un perfecto ejemplo son los objetos diseñados en la escuela de Bauhaus en donde los artistas crean objetos que sean útiles para la sociedad.
1927 Josef Albers “Tables Gigognes”. [7]
El artista como genio creador se termina y empieza un productor que se aleja de la religión, de la naturaleza y comienza a ser productivo en lo que hace.
Drama/Cine romántico de Charles Chaplin, Tiempos modernos. 1936 [8]
Salón de París desde 1725 como el espacio de arte más importante hasta 1890. [9]
El Salón de los Rechazados (Le Salon des Refusès) busca un arte radicalmente nuevo.
Instaurado por Napoleón lll el 17 de mayo de 1863, teniendo ocho exposiciones impresionistas de 1864 a 1886.
Manet, Olympia, 1863 de Profzucker. [10]
Camille Pisarro, La cosesha, 1882. [11]
- Vanguardias históricas:
EN EUROPA
- Surrealismo de Andrè Breton y Salvador Dalí
- Dadaísmo de Tristan Tzara, Arp y Marcel Duchamp
- Expresionismo con Emil Nolde
- Futurismo italiano con Marinetti, Soficci
- Impresionismo con Manet
EN ESPAÑA
- Ultraísmo literario
- Creacionismo de Vicente Huidobro
- Surrealismo de Dalí
- Ramón Gómez de la Serna
EN MÉXICO - Estridentismo
- El Taller de Gráfica Popular
- Muralismo
- ¿Surrealismo?
OTROS ISMOS - Suprematismo de Kasimir
- Constructivismo de Tatlin
- Fauvismo con Vlaminck, Matisse
- Blaue Reiter de Vassily, Marc
David Alfaro Siqueiros, Del Porfirismo a la Revolución, 1957-1966. [12]
En el modernismo literario sobresalieron los artistas Rubén Darío, José Martí, Amado Nervo, Aurora Cáceres, Rómulo Gallegos, etc.
En el movimiento moderno en la arquitectura sobresalen los artistas Le Corbusier, Oscar Niemayer, Juan O´Gorman, Mies van der Rohe, Walter Gropius, Mathias Ghoeritz, Luis Barragán. [13]
Algunos ejemplos de las artes audiovisuales en lo contemporáneo son:
Paul Gaugin, Vincent Van Gogh Pintando Girasoles, 1988. [14]
Henry Moore, Draped Reclining Mother and Baby. [15]
Eduardo Chillida, El Peine del Viento, 1977. [16]
ENTRE LOS OBJETOS Y LAS IDEAS. LA ANTIESTÉTICA Y LOS CONCEPTUALISMOS.
El movimiento Arts and Crafts nació en Reino Unido, en la segunda mitad del s. XlX e inicios del s. XX, se extiende por Europa Continental y Estados Unidos.
Reafirma la importancia de diseño y artesanía en todos los campos del arte, rompe con las jerarquías que elevaba la pintura y escultura, restituye dignidad al crear obras de arte en el alcance de todas las personas.
Tristan-Isolde Buckle, 1896, Alexander Fisher. [17]
Una de las influencias del Art Nouveau fue la biblioteca de Mackintosh: Glasgow School of Arts. [18]
Desarrollan principios importantes para la arquitectura de s. XX: como el diseño supeditado a la función, importancia de estilos autóctonos, hay construcciones integradas al paisaje y libertad de estilo.
El arte nuevo está inspirado en formas naturales, plantas y flores. Tiene énfasis en líneas, curva y orgánica, abstracta o geométrica. Se proponían eliminar la distinción entre bellas artes y artes aplicadas.
El Jugendstil fue el nombre de la revista artística y literaria creada por Georg Hirth el año 1896 en Múnich, Alemania. Sus publicaciones semanales se convirtieron en un icono del Art Nouveau Modernismo alemán que se dio a conocer como el Jugendstil. Palabra ocupada hasta el día de hoy por diseñadores gráficos alemanes para referirse al arte de esa época. [19]
«Nos encontramos en el umbral de un arte totalmente nuevo,
un arte con formas que no significan ni representan nada, que
no recuerdan a nada, pro que pueden estimular nuestro
espíritu».[20]
DADAÍSMO
El Dadaísmo Destruía temas basados en lógica, sustituyéndola con la anarquía, la irracionalidad y los impulsos primitivos, le gusta ridiculizar.
El término dadaísmo se lo atribuye el poeta Richard Huelsenbeck con el poeta y músico Hugo Ball, con la ayuda de un diccionario.
Gracias a las guerras y al dolor, a la falta de credibilidad de las instituciones, se crea una sátira y hacen una subversión a través del arte, se preguntan porque entonces el arte sería bello si la realidad en la vida era negativa.
OBJECT TROUVÉ: Pablo Picasso, imagen impresa de silla en la pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla, 1912. [21]
READY-MADE
Fué la práctica instaurada por Duchamp, donde un objeto es sacado de un contexto original, desfuncionalizado y convertido en arte, construido para forzar al espectador a pensar.
“Arte es lo que se denomina arte”. Marcel Duchamp “La Fuente, 1917”. [22]
Regalo, Man Ray 1921. [23]
Dios, 2917. Morton Schamberg. [24]
Las obras de arte buscan lo absurdo de la época, crean una ruptura, un cambio, el choque cultural y la provocación.
Alemania en las guerras tuvo un puesto importante de economía y poder. Es asi que empiezan los performances.
PINTORES Y OBRAS IMPRESIONISTAS RELEVANTES:
PORTRAIR DE CÉZANNE: Rembrandt, Natur es Mortes, Portrair de Renoir.
El artista Marcel Duchamp se burla de la Mona Lisa, de lo ya establecido y del poder hegemónico en las instituciones y por estas razones le coloca bigotes a la Mona Lisa, asi Duchamp logra ser artista de una obra ya existente.
L.H.O.O.Q. 1919 [25]
EL COLLAGE
Se apropia de algo material y al intervenir con otra cosa cambia el significado de la unión de imágenes o elementos. Es el principio de edición o montaje.
Ejemplos:
Jean Arp, según las leyes del azar, 1916. [26]
La época de Weimar fue entre la 1era y 2da guerra mundial, cuándo Hitler entró a la república de Weimar se terminó. Fue cuando Alemania se fue en decaída.
1.Hannah Hoch es una gran pensadora del dadaísmo; Corte con el cuchillo de cocina a través de la última época cultural de Weimar.
Hannah Hoch, Curva de la felicidad de Alemania, 1919, 1920. [27]
Kurt Schwitters combinaba el arte de diferentes artistas.
El nombre Merz alude a un fragmento de papel donde estaba escrito la palabra alemana Kommerz, de Kommerz Bank. [28]
Un claro ejemplo de una obra conceptual y contemporánea es la siguiente…
525 gramos de las cenizas de Luis Barragán, el arquitecto más importante de la historia moderna de México, forman ahora un diamante. Expuesta hasta octubre del 2017 en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC, el museo de la UNAM), ha hecho que varios sectores de la sociedad pongan el grito en el cielo y cuestionen los límites del arte, la gestión del patrimonio y el papel de los organismos públicos en ello.
The Proposal, Jill Magid. [29]
LEGADO DADAÍSTA
La actitud de libertad y la irreverencia representan faltar al respeto de manera burlesca, lo contrario a reverencia y experimentación.
Existe la concepción del arte como idea y la posibilidad de transformar arte a partir a cualquier cosa, se genera el cuestionamiento de la moralidad social y artística.
Después de una guerra mundial el mundo está deprimido, de esta manera surge el Dadaísmo, como burla de lo absurdo que es la vida, los artistas lo narran de diferentes maneras a través del arte. Es por esto relevante preguntarnos el contexto histórico y social, para así entender las obras de los artistas.
En 1921 se vuelven surrealistas como Breton, desarrollan una faceta más literaria y teatral con cabarés y festivales.
DADAÍSTAS
Young British Artist (artistas contemporáneos del Reino Unido, provenientes la mayoría del Goldsmith college of arts de Londres, producen instalación con ready made).
My Bed, Tracy Emin, 1998. [30]
Gabriel Orozco, el artista mexicano conceptual más reconocido. Es controversial porque dicen que su arte mexicano era muy politizado.
Caja de Zapatos vacía, Gabriel Orozco, 1993. [31]
Mis manos son mi corazón, Gabriel Orozco, 1991. [32]
Crea tu propio arcoíris, Janette Casas, 2018.
Esta fotografía conceptual invita al espectador a disfrutar de su realidad actual y así poder obtener motivación, sabiendo que somos capaces de crear nuestras propias y positivas perspectivas de la vida.
IMPRESIONISMO
Surge en la segunda mitad del siglo XlX, representado por los artistas rechazados en la selección de 1974: Salón de París: Sociedad Anónima de Pintores y Escultores.
Se pinta la sensación recibida, del momento. En su contexto socio histórico se encontraba la primera revolución industrial, el periodo de estabilidad económica, etc.
En el impresionismo en el 90% de los cuadros usaban colores pasteles, se juega con el pincel, la pincelada define la forma y la atmósfera de los cuadros, se plasman paisajes cotidianos. Y hay énfasis en cómo incidía la luz sobre los objetos.
IMPRESIONISTAS:
Claude Monet-Impresión, sol naciente, 1872-1872. [33]
Saliendo del baño, Joaquín Sorolla, 1915.
«Nacido el 27 de Febrero del 1863, este artista Valenciano plasma en su arte los periodos del luminismo y el impresionismo, importantísimos para la evolución artística que desemboca en el arte contemporáneo».[34]
Entre otros artistas conocidos como Pierre Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pisarro, Alfred Sisley, Nerth.
POSIMPRESIONISMO
Es un movimiento que surgió a finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Es la visión subjetiva del mundo, en donde los artistas ya no plasman lo que ven si no que es más abstracto, tiene un uso expresivo del color y expresa emociones internas.
En conclusión, el impresionismo surgió en plasmar en el cuadro lo que el artista veía, como primera vista, hizo posible recuperar la realidad de una fotografía y plasma nuevos conceptos.
ALGUNOS ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS
Los artistas buscan comunicar el contexto actual de la sociedad, temas cruciales en el momento son lo que se encuentran en las obras contemporáneas. Los creadores exploran la luz, la fragmentación que trajo el lenguaje visual, la fotografía, los colores, la perspectiva y la composición de grabados japoneses. El Lirio acuático y el agua, han sido parte de la cultura japonesa. Algunos artistas reconocidos son los siguientes:
Camille Corot
Gustave Coubert
JMW Turner
John Constable
El origen del mundo, Gustave Courbet, 1866. [35]
Claude Monet-Impresión, sol naciente 1872-1872. [36]
Existe un rechazo al arte establecido, hay exploración de formas, color y luz, trazos y temas.
Los artistas querían hacer algo distinto, en las academias era importante describir una apariencia inacabada que captura la luz, más que detallar el volumen y los detalles de la obra se enfocan en la luz.
Estas pinturas funcionan similar a la óptica de la cámara, lo lejano se ve un poco borroso, como lo veríamos naturalmente.
Pintan mucho en el exterior, trataban de capturar la luz y por eso pintaban en diferentes días logrando obtener periodos con la misma luz, quizá regresaban al mismo horario para lograrlo.
Usan el uso del agua y la luz para construir una atmósfera y un estar ahí. Capturan temas insignificantes, antes no era importante pintar a una chica al lado de un muelle y ahora los artistas se atreven a pintar este tipo de escenas, se apartan de los temas históricos y religiosos.
MUJERES IMPRESIONISTAS
Antes las mujeres no eran parte del arte, utilizan la piel corporal, las telas para reflejar las luces, recuperan la vida familiar, no pueden plasmar los paisajes porque ellas normalmente no estaban fuera de casa. Ellas pintan el interior y la vida del hogar.
Berthe Morrisot
Eva Gonzalez
Mary Cassatt
Marie Bracquemond
Eva González, El despertar, 1878. [37]
Mary Cassatt, The Child’s Bath, 1893. [38]
HOMBRES IMPRESIONISTAS
El artista hombre, en el ámbito artístico, pasa a ser o sentirse en al mayoría de casos como blanco, heterosexual y acomodado.
Se encuentra una crisis y retorno a lo figurativo. Siempre ha sido más fácil para el hombre entrar al medio artístico y social, es por esto que muchas veces las mujeres artistas no lograban transmitir en sus pinturas diferentes situaciones, si no que muchas imágenes que ellas pintaban, narraban en sus obras actividades del hogar y así ellas, plasmaban elementos con los que se sentían conectadas.
Pau Guaguin (sintetismo)
Paul Cézanne (postimpresionismo)
Georges Seurat y Paul Signac (neoimpresionismo)
Vicent Van Gogh (post-impresionismo)
Toulousse Loutrec (post-impresionismo)
Paul Cézanne, Cesto de manzanas, 1893. [39]
VIDEO ARTE
Es un medio nuevo con tecnologías en movimiento en donde existe una interdisciplinariedad a través de un video, donde se encuentra arte cinético, sound art, televisión, etc.
Nam June Paik se considera el pionero en el video arte y una obra que lo destaca es la instalación: Electronic Superhighway, la cual reproduce 51 canales de video que incluyen un circuito cerrado de televisión en vivo con piezas electrónicas.
Es importante mencionar que el salto tecnológico genera un salto en lo artístico, en donde las galerías de arte y las cadenas televisivas dan apoyo a los artistas.
A través del video arte se recuperan ideas del Dadaísmo, entonces así generan humor, sarcasmo, etc. el medio se vuelve el mensaje que quiere transmitir el artista.
“La tarea del arte no es almacenar experiencias, sino explorar ambientes que de otra manera resultan invisibles”. Marshall Mcluhan (teórico importante en la comunicación).
Otro video arte es el de la videoasta mexicana Pola Weiss, siendo su vidoe más representativo.
Es un conjunto de escenas que reproducen capturas de video documental, videos creados y también interactúa con una alta simbología de los 80’s. Este video indica algo muy complejo y rompedor que no existía en la televisión. Es una obra profundamente femenina.
VIDEO CLIP
Un brinco tecnológico se encuentra en los medios visuales y del video arte se inspiró el video clip, teniendo un fin comercial con la música, su imagen y fantasía en conjunto. En él se encuentra subversión en donde se normalizan cierto tipo de lecturas.
A pesar de que el video clip “Video Kill the Radio Star” de 1979 fue el primer video reproducido en MTV, se rumora que Carlos Gardel, artista latinoamericano, hizo los primeros videos musicales en los años treintas.
En los videos musicales se encuentran “punching up y punching down” en donde encontramos abusos, racismos, alienación, control por el poder hegemónico y apropiaciones culturales. Muchas veces se encuentra una apropiación de cultura en donde gracias a ella se obtienen lucros, sin tener el consentimiento de las personas que salen en las escenas, sin consentimiento del uso del territorio, etc.
También podemos observar como existen ventajas y desventajas dentro de los videos musicales, para algunos involucrados en los videos puede ser incomodo sentir que son utilizados como objetos y no como personas solo para obtener más vistas en un video y generar más dinero, en donde quizá no demuestran su identidad de manera real, también se encuentra racismo con los colores de piel, maneras de vestir, etc. en donde la mayoría de veces se crítica al proletariado y se tiene una mirada lejana de esta clase social y no incluyente.
Debido a estos conceptos me inspire en producir un video, en la primavera del año 2018.
Del Campo a la Ciudad es el video clip que dirigí con el objetivo de disminuir la interseccionalidad, incluyendo a artistas con raíces originarias, dando espacio y voz a Wixárikas que merecen las mismas oportunidades que artistas mestizos tienen en el ámbito mercantil, en donde comparto cultura e identidad de México. Con la autoridad de Herencia Huichol se ha podido reproducir este videoclip fuera de lo común, que preserva tradiciones y se apropia de la cultura Wixárika con consentimiento de los integrantes del video.
LO ABYECTO
El movimiento de arte abyecto reproduce una fractura sensorial o experiencia estética como parte del arte, la literatura, la religión y en general la cultura, donde representa la transgresión, el cruce de umbrales y límites, perturbando el orden simbólico.
En el momento de observar arte abyecto el espectador se cuestiona la relación de belleza, juicio, concepto y orden.
En conclusión, lo abyecto es lo que no es de nosotros, lo que excluimos y lo que sobra en la sociedad.
De alguna manera la siguiente obra de la artista Tala Madani se relaciona, en algunos conceptos con nuestra cultura.
-
- ‘Red Stripes with Stain’, 2008.
“Es tentador hacer una lectura política de las obras de Tala Madani (Teherán, 1981). La autora, al fin y al cabo, se graduó en ciencia política antes de cursar Bellas Artes en Yale.
El mismo afán de alejar algo tan próximo hace de lo abyecto tema del arte: los antiguos lo emplearon con intención moral; los surrealistas, para pensar la transgresión; los accionistas vieneses, como purificación del pasado nazi, y autores como Mike Kelley, para repensar la infancia.
Madani cambia la perspectiva y muestra sobre todo la cercanía de lo abyecto. Constituye nuestro interior (el personaje de uno de sus cuadros mantiene un animado coloquio con sus intestinos), marca los cuerpos (al hombrecillo de The Whole el ombligo se le ha convertido en ano) y se entremete en nobles proyectos, como ocurre con los nadadores inmersos en el lago de orina que lanza un desvergonzado y celestial Cupido.
Repensar lo abyecto permite acortar distancias entre alta y baja cultura. Madani emborrona sus figuras —inspiradas en una revista satírica azerí— con drippings a lo Jackson Pollock (Blackout) o compone con ellas un ridículo cancán con bandas de color al estilo de Morris Louis, pero también dirige su mirada a la imagen de masas y corroe el encanto de Peter y Jane, figuras infantiles encargadas a un dibujante chino como ilustraciones de un método para aprender inglés.
Su trabajo es en parte una cura de humildad para una cultura, la nuestra, que no ha logrado aún discernir qué dosis de narcisismo nutren sus más excelsas creaciones. De ahí, el sarcasmo de Retroproyección, donde un varón se introduce una potente linterna en la boca y lanza por el ano, en medio de un gran haz de luz, cacas geométricamente correctas, o ese otro caballero que bajo un gran foco, se empeña en meterse en un bocadillo de cómic, desesperado intento de hacer valer sus palabras: cuando lo consigue, el globo estalla. Pero también apunta al sadomasoquismo de nuestra cultura: se advierte en sus animaciones (tan potentes como sus pinturas): los dos murmuradores de Chácharas no hablan sino vomitan y el Apuñalador de ojos se destroza con tal de aniquilar su propia sensibilidad. Habrá quien encuentre dura la muestra, pero en ciertos momentos es preferible la cáustica a la estética”. [40]
40 Juan Bosco Díaz Urmeneta – 30 Mayo 2014 https://elpais.com/cultura/2014/05/28/babelia/1401292718_589077.html
FOTO PERIODISMO
En el siglo IX la tecnología avanzó lo posible, con la revolución industrial, dictando camino a todo el mundo; sin embargo, en este tiempo era imposible capturar imágenes con movimiento.
El colodión húmedo es un procedimiento fotográfico citado en el año 1850 por Gustave Le Gray, que fue el primero en indicar un procedimiento con este compuesto, consiguiendo imágenes mediante el revelado con sulfato de hierro amoniacal.
La movilidad de los equipos permite que el registro se convierta en algo diferente a partir del siglo XX, existe una mirada Humanista, es posible lograr ir a más lugares.
En el foto periodismo se capturan momentos o sucesos que pueden convertirse en noticias, temas de controversia o situaciones que a la sociedad le generaría interés conocer, sin embargo no tiene profundidad de las personas que salen en la noticia, de los actos que las personas involucradas hacen en su vida cotidiana, etc.
Pedro Valtierra
Nacido en Zacatecas, Valtierra es el fundador de la agencia y revista Claroscuro, dedicada a la fotografía y a la información periodística. Pedro fue testigo de sucesos como las guerras de América Central a finales de los años 70’s y la migración de Chiapas. Fueron estos momentos los que retrató y logró hacer de ellos grandes obras que fueron publicadas en más de 300 exposiciones de distintos países.
FOTOGRAFÍA DOCUMENTAL
El hombre constituye el centro de la imagen y de las preocupaciones de su creador, y se sobreentiende, quizás que se cree en el, valor del hombre y sus cualidades.
La fotografía documental va más allá de capturar un momento que pueda compartirse como un suceso o noticia, la fotografía documental se involucra en la poesía de la vida cotidiana, la constatación social más o menos orientada a fines de combate político.
Esto quiere decir que las personas y su contexto de vida, son la atención y el tema vivo de las fotografías, las capturas son más profundas y se interesan en la historia de los involucrados, comparten una manera más cercana de entender a la otra o el otro y de de esta manera, es posible conocer más de la vida de las personas.
La fotografía documental no nos comparte una noticia que será pasajera o quizá olvidada en el futuro, si no que abre los ojos al espectador con un nuevo conocimiento que permitirá saber o querer estar más involucrado con el tema, sin pasarlo desapercibido después de su reproducción.
-
- Comunidad indígena Náhuatl, Guerrero 2016 – Janette Casas.
-
- Petra Pizza a la Leña, Jalisco 2018 – Janette Casas.
La artista Janette Casas documenta una tradición que hacen los indígenas Nahuas, en Guerrero, para festejar el día de muertos.
Mexi-HA y Petra Pizza a la Leña hacen que los indígenas urbanos, que ahora viven en la ciudad, puedan recuperar esta tradición con la creación de una obra de arte participativa llamada «Recuperando Tradiciones».
Con estas dos fotografías documentales se puede ver la comparación y recreación de este acto de la vida cotidiana en donde existe una profundidad en las costumbres, memoria de identidad y cultura detrás de ellas.
EL PERFORMANCE
Es el arte de la acción, en donde se ligan ideas del artista representadas en una manera poética a través de la actuación, en estas muestra escénica se representa la idea del artista. En el performance se representa un conjunto de arte en diferentes ramas, en donde se vuelve una disciplina que integran diferentes estilos como la música, el baile, la pintura, la actuación, etc.
Existe un contexto creado y en ese espacio puede intervenir el artista actuando, ya sea planeado o experimentando en el momento.
También se le llamó action sequences… en vivo se van haciendo momentos, a veces intervenciones. Es una presentación que no fue planeada para los espectadores, o a veces ya se sabe que harán los artistas, es un momento en donde el artista se conecta más con el espectador y el artista es parte de la obra de arte, en donde sin su cuerpo no podría haber una pieza artística.
La historia del performance en México es, en realidad, una historia muy reciente, pues es heredero del arte conceptual que concentra el valor de la obra no sólo en los aspectos materiales sino en su contenido y discurso. Maris Bustamante menciona como antecedentes del performance en México a la vanguardia estridentista de la década de 1920, que proponía un arte totalmente nuevo, y las aportaciones del grupo «Los Hartos», cuya exposición en la galería Antonio Souza en 1961 marcó una pauta para explorar las posibilidades del arte dejando atrás cánones caducos.
Polvo de gallina negra
Esta iniciativa surgió en la década de los ochenta portando el estandarte del movimiento feminista, fue integrado por Mónica Mayer, Herminia Dosal y Maris Bustamante , y aunque solamente duró diez años cambió el curso de la historia por ser el primer grupo de esta naturaleza en México. Su obra se centraba en cuestionar el papel de la mujer en la sociedad, así como su representación en el mundo del arte y en los medios de comunicación, en sus piezas permanece constantemente la interrogante de qué significa ser mujer en un contexto culturalmente machista como lo es la sociedad mexicana.
En el performance «Receta para hacerle el mal de ojo a los violadores, o el respeto al derecho del cuerpo ajeno es la paz» presentado en el Hemiciclo a Juárez durante una marcha contra la violación, plasmaron para la posterioridad los ingredientes necesarios para obtener una protección ritual y lograr sobrevivir en un mundo dominado por hombres.
Ingredientes:
2 docenas de ojos y corazones de mujer que se acepte como tal.
20 kg. de rayos y centellas de mujer que se enoja cuando le agreden.
1 tonelada de músculos de acero de mujer que exige respeto a su cuerpo.
3 lenguas de mujer que no se somete aún cuando fue violada.
1 sobre de grenetina de mujer, sabor espinaca, que comprende y apoya a una mujer que fue violada.
30 grs. de polvo de voces que desmitifiquen la violación.
7 gotas de hombres que apoyen la lucha contra la violación.
1 pizca de legisladores interesados en los cambios sociales que demandamos las mujeres.
Unas cuantas cucharadas de familias y escuelas que no promueven los roles tradicionales.
3 docenas de mensajes de comunicadores responsables que dejen de producir imágenes que promueven la violación.
3 pelos de superfeminista.
2 colmillos de militante de partido de oposición
½ oreja de espontáneo y curioso.
Siguiendo cuidadosamente las instrucciones sobre el modo de preparación lograremos tener como resultado final nuestra explosiva mezcla con la cual Ud. podrá sorprender a los violadores que habitan su misma casa o la de la vecina, los tímidos y los agresivos, los pasivos y los activos, y los que la acechan en el trabajo o en el camión y finalmente a los que se esconden en la noche que hoy venimos a tomar.
Tiempo después, el grupo se separó pero la ideología feminista nunca abandonó la obra de cada una de las artistas que cambiaron la manera en la que el arte mexicano percibió a la mujer. [41]
[41] Por: Natalia Lomelí – https://culturacolectiva.com/arte/5-impactantes-y-controversiales-performance-que-cambiaron-a-mexico
CUBISMO
La fotografía siempre ayudará a tener una representación más clara si lo comparamos con la pintura.
En este periodo el psicoanálisis es muy importante, existe una necesidad de analizar la profundidad de una persona y cómo la reflejamos. La geometría del s. XlX se empieza a llamar cuántico en donde se encuentran cuatro dimensiones en donde es el tiempo, y se empieza a trabajar el concepto en donde se estudia el tiempo.
Existe la teoría de la relatividad en donde la realidad tiene muchos puntos de vista para entenderla, todo esto influye en los artistas debido a que tenían bastantes conocimientos y relacionaban lo que pasaba en su contexto con sus obras artísticas.
Montaña Sainte-Victoire, 1904-06, Museo de Arte de la Universidad de Princeton, única pintura vertical de la serie.
#/media/File:1904,_C%C3%A9zanne,_Mont_Sainte-Victoire.jpg)
En el salón de los independientes en el impresionismo es importante la luz y la perspectiva de alguien, en este momento es importante saber la profundidad y el saber de lo que quiero plasmar, en donde existe la ruptura de la normalidad de hacer arte.
La tecnología nos ha hecho tener una sola mirada, pero el artista sobre el lienzo explora perspectivas múltiples, no se especializan en los detalles pequeños como los cabellos de personas, etc. se preocupan por el espacio y tiempo de lo que sucede.
El término Cubismo fue dado por el crítilo Louis Vauxcelles.
En conclusión, las y los artistas quieren plasmar algo que la cámara no es capaz de plasmar, no importa lo bello si no los diferentes ángulos que podemos captar a través de la obra.
Juan Gris
María Blanchard
Sonia Delauney
Algunos textos Du cubisme de Gleizes y Metzinger.
El cubismo analítico se estudiaba una deconstrucción y en lo sintético integra la recuperación de un collage, no tiene que ser precisamente como lo solían ser los otros y el cubismo sintetiza, construye y deconstruye.
Picasso se conocía como genio por que pintaba diferentes realidades en sus obras, lo que creaba era una construcción y de construcción con las figuras, donde analizan sentimientos, vivencias. El explora la forma de la figura como expresiones en diferentes situaciones.
Existe una complejidad plástica en donde se tiene un conocimiento en el trabajo creativo que Picasso realiza. Esto les da valor a las obras del artista.
Picasso plasma con facilidad mediante líneas el dentro y fuera del espacio, en donde sintetiza distintas dimensiones.
En conclusión, Picasso fue un personaje complejo en donde se encuentra un salto del nivel del cubismo.
-
- 1907, Les Demoiselles d’Avignon
-
- 1910, Woman with Mustard Pot
-
- 1881, Spanish, Malaga
LA INTERNACIONAL SITUACIONISTA
Creada formalmente en la localidad italiana de Cosio d’Arroscia del 20 de julio de 1957, la IS es un producto de la fusión de una serie de grupos anteriores de artistas e intelectuales.
Buscaban que el arte fuera muy crítica y directa, siempre tuvieron teóricos que cuestionaron la originalidad de los objetos y su exclusividad, en donde irónicamente al elevar los precios subió la demanda. Ellos quieren crear acciones que alcancen a ser transformadoras, los situacionistas creían que si modificaban el entorno podrían tener un cambio las personas en su entorno; por ejemplo, todos los activistas que se dedican a mejorar un espacio abandonado que ya tiene tierra, existe un espacio en donde ellos crean nuevas ideas, se apropian del lugar y crean un jardín, para que así haya un impacto en la vida de las personas que van a este lugar y dejan de ver el lugar abandonado.
Constant Niewenhuy (21 de julio de 1920 – 1 de agosto del 2005) fue un pintor holandés, recordado como uno de los fundadores del grupo artístico CoBrA. [3]
Creó la Nueva Babilonia en 1963, donde creo un conjunto de 150 piezas de obras de arte con el concepto de ir mejorando sus obras con el paso del tiempo.
Constant Nieuwenhuys siempre quería mejorar sus obras y su trabajo, es importante conocer el concepto de la crítica social para entender sus obras y la evolución de su arte.
En la siguiente foto se captura un espacio recuperado, en donde activistas de la ciudad de Vancouver, Canadá, deciden crear de manera colectiva un jardín para mejorar el medio ambiente y las relaciones de su comunidad.
Vancouver, Janette Casas 2018.
FLUXUS
Es un movimiento inspirado por el dadaísmo busca modificar la mirada de los espectadores y los mismos artistas en donde pueden encontrar lo cotidiano como arte, generan ready made, existe irracionalidad y caos. Por lo mismo fusionaban el arte con la vida cotidiana. Utilizan objetos de la vida cotidiana y generan musicales.
En este movimiento es importante que el arte sea diversión, el artista no tiene que ser una figura superior si no que baja su nivel de grandeza, buscan simpleza, significados no pretenciosos y tiene que tener un público autosuficiente, busca inclusividad, no buscan valor institucional ni mercantil, también es producido a masa, para todos y por todos.
La artista Janette Casas crea una obra de arte participativa «Recuperando Tradiciones» inspirada con el movimiento Fluxus, con la práctica de una tradición que los indígenas Náhuatls, de Guerrero, México acostumbran. La artista recupera este acto de la vida cotidiana, permitiendo que indígenas urbanos, sin el conocimiento de esta costumbre, puedan conocerla y tener una memoria de identidad de su lugar de origen. En esta obra la Janette Casas trabaja con todos los involucrados, ella solo es una guía durante la obra de arte, con esta pieza se crea inclusión y valor a personas y actos que pasan a veces por desapercibido en nuestro día a día.
-
- Comunidad Náhuatl, Guerrero 2016 – Janette Casas.
-
- Petra Pizza a la Leña, Jalisco 2018 – Janette Casas.
CONCLUSIÓN
Con el Preformance, el Situacionismo y el Fluxus el arte pasa a algo más extenso y completo que el solo ser un objeto, ya no solo se trata de las ideas y los conceptos si no que los artistas, generan arte en donde hay una conexión por dos lados, el espectador y la obra. Hay un gran espíritu de protesta y cambios, en donde las y los artistas lo buscan plasmar. Estos movimientos nos ayudan a escuchar a los espectadores, a conocer sus límites en donde el artista les permite participar en la obra y así quizá escuchar más al espectador que al artista. La vida se puede vincular con el arte y el artista busca que las y los espectadores encuentren conceptos en las obras de arte, quieren recuperar la belleza de la vida con las cosas monótonas.
ESCUELA OAXAQUEÑA DE PINTURA
Rufino Tamayo (1899-1991) Impulso el arte de:
Rodolfo Morales (1925-2001)
Francisco Toledo (1940-)
Artista indígena que pinta su mundo vivo… su mirada, sus historias, su humos, su bestiario rico en simbolismos en su dibujo obsesivo, sus tonos eróticos, su poética y su cosmología. Acérrimo activista por la representación de grupos indígenas en el continente.
Francisco Toledo termina siento el maestro y la cabeza de lo que se llamo después una escuela Oaxaqueña de pintura, se dice que el creo la escuela por que hizó muchos espacios en donde transformo Oaxaca, espacios en donde empleo personas, hace que la comunidad se supere y tenga una transformación positiva en la sociedad. Es un activista y gran defensor del maíz endémico.
Plasma personas con figuras geométricas, existe un contexto de su entorno, animales flores, frutas, personas, etc. hay una abstracción de colores y sensaciones, tienen medios tonos y están muy bien compuestas.
Se dice que no existe la escuela Oaxaqueña de pintura como tal, sino que generaron la idea para que suba la plusvalía del arte en Oaxaca y sea posible vender el arte con un precio justo. Oaxaca se considera el segundo mercado más grande de arte en México.
Mientras transcurre la escuela Oaxaqueña en México existía la innovación tecnológica y las mujeres ya pueden votar.
Se dice que no es una escuela por qué no tienen conceptos educativos como tal si no que es más un linaje.
Francisco Toledo deja mucho que pensar y actuar, para tomarlo como ejemplo y generar comercio justo en donde se aprecie y preserve la cultura de México.
Ruptura al Arte Contemporáneo
Rumino Tamayo se consideraba el puente del muralismo a el arte contemporáneo, el incorpora la identidad de México, es capaz de plasmar impresionismo abstracto y el no trae una agenda política, sus temas no hablan del contexto político.
En Estados Unidos la CIA está muy preocupado por que la izquierda está tomando posición en Latinoamérica, el capitalismo y el comunismo, existía una gran división en el mundo y había muchos espías.
¿Qué tiene que ver la CIA con el arte?
Estados Unidos se preocupa por que nota que el código del contexto en el arte, tiene conceptos Marxistas y de izquierda, la CIA invierte en el impresionismo abstracto para que en ella no puedan plasmar ideas que generen consciencia ni quizá temas controversiales.
Pinturas que plasman colores Rotkhkos:
-
- No. 3/No. 13 (Magenta, Black, Green on Orange).
-
- No. 61 (Rust and Blue), 1953.
-
- Untitled (Black on Grey), 1970.
-
- Mark Rothko, Yorktown Heights, ca. 1949.
GENERACIÓN DE LA RUPTURA
Es una generación de jóvenes artistas que tienen otra manera de trabajar el arte, ellos están en contra de lo que ven como valores y anquilosados de la escuela mexicana de pintura, crean un trabajo más plástico y menos narrativo.
Rafael Coronel y Pedro Coronel son unos hermanos que fundaron un museo de arte en Zacatecas.
Es difícil para todos los artistas de la generación de la ruptura poderse enlazar en el ámbito artístico, y logran esto hasta 1988. Dentro de esta ruptura se inició una vertiente, solo en Latinoamérica en donde construyen ideas a través de las figuras, hay exploración de formas y medidas.
ARTE POP
Toma elementos de la cultura popular y descontextualiza su significado para crear consciencia de diferentes situaciones, el contexto va influyendo a través de la fotografía.
En el pop actual se toman las herramientas necesarias de lo que hace todo el mundo y con esto se crea la obra de arte. No hay intenciones de crítica si no de visión.
Cuando antes la academia decía que es arte y que no, con el arte pop, el mercado empieza a meter variables en donde deciden qué es arte y qué no.
Un ejemplo de un elemento cotidiano es la lata Campbells en donde podemos encontrar que es parte de la cultura que domina, y en casi todas las casas existen latas, gracias a las guerras en donde se inventaron. Existe un humor en la descontxtualización de lo que esta pasando en el momento.
«Entre los muchos artistas mexicanos que giraron en torno al arte pop durante los sesenta y setenta se cuentan a Alberto Gironella, Arnaldo Cohen o Zalathiel Vargas, quien es probablemente el primer representante del cómic underground en México. Esteban King observa que además de cierta cercanía con el movimiento de las Color Field Paintings norteamericanas, “hay otros elementos del arte de aquellos años, como el arte cinético o el arte op, por ejemplo, lo que hacía Luis Urías con sus proyecciones abstractas o Ernesto Mallard, además de los rasgos psicodélicos cultivados por Arístides Cohen o Carlos Nakatani. Pero no encuentro tanto el elemento pop”. Sin embargo, reconoce que “pues sí, resulta que hay una cultura visual de la época ligada a lo que se conoce como el arte pop ya que hay cierta sensibilidad y vínculo con la publicidad, la industria, los colores de época, con el technicolor, etcétera”. [41]
[41] Eduardo Egea, 2015-05-18, http://www.cronica.com.mx/notas/2015/899102.html
Alberto Gironella, Madonna-1992.
POST MODERNIDAD
Aquí hay una gran controversia de cuando empieza y cuánto se termina, es un tema de debate por que se piensa que aún estamos en este movimiento, el movimiento comienza en la arquitectura y después crece en más opciones.
La cultura de masas influye en el contexto de la post modernidad, había identidad, se narra el capital intelectual, existe un desorden en lo ordimario, existe una expresividad en cursos en donde no importan los límites del costo, pero siempre habrá recursos que permitan sentir una atracción por lo diferente y nace lo kitsch.
Cowbow, 1989, Richard Prince.
Jeff Koons es de los que más cotizan y más vende, vende a museos, millonarios, etc. https://es.wikipedia.org/wiki/Jeff_Koons
-
- Flor inflable (Roja),(Balloon Flower (Red)).
-
- Perro globo (Amarillo), (Balloon Dog (Yellow).
-
- Tulipanes(Tulips), Museo Guggenheim, Bilbao.
PERIFERIAS DE LA MODERNIDAD Y LUCHAS DE IDENTIDADES
Las prácticas de poder que afectan la subjetividad y la idea de normalidad desde instancias exteriores que disciplinan la corporalidad, la afectividad y la intimidad el “ser en el mundo” [7]
Esto significa el momento en las instituciones culturales, sociales y religiosas que dictan a la sociedad qué es lo normal y qué es lo diferente, lo que está bien y lo que está mal.
A través de la comunicación existen contrastes y juegos de vulnerabilidad donde se construye una persona vulnerable sin poder, en este caso se analiza a la mujer en donde a través de la mirada másculina se genera un placer en el hombre, las mujeres normalizamos una belleza en donde el hombre se siente con poder por que la mujer luce sin control, y esto le llama la atención a el hombre.
Se normaliza como moda el uso de los tacones en donde la mujer al usarlos siente que tiembla un poco al no estar al nivel del piso y pierde el equilibrio, pero esta vulnerabilidad que la mujer obtiene le llama la atención a los varones debido a que ellos son los activos y las femeninas son las pasivas.
La mujer siempre es mirada y los hombres miran, gracias a estas construcciones de agencias, el papel del sujeto y objeto definirán las situaciones de poder en la sociedad, a los problemas del abuso a la mujer, la trata, el consumo, etc.
La biopolítica habla de la vida, no solo al cuerpo si no como se vive la vida.
En este análisis se presenta la construcción desde el sistema en donde la sociedad normaliza elementos, no significa que este mal la mirada del hombre si no que invita a estar conscientes de que se puede crear en un futuro, con esta construcción de identidad.
Would-Be Martyr and 72 Virgins, http://home.davidlachapelle.com/
CONTEMPORÁNEO
Contemporáneo es cuando los artistas no se sienten identificados con su tiempo actual, siempre están al tanto de lo que está pasando en su contexto y ellos no se sienten de acuerdo con lo que pasa, a esto lo llaman como oscuridad, las obras tienen conceptos narrativos específicos que siempre hablaran del presente.
NEOMEXICANISMO
Este movimiento surge en los años 80s en México, es una apropiación y crea memoria de identidad en la cultura mexicana, es una contra postura del minimalismo. Se siente identificado con las raíces originarias y de lo mexicano.
«Julio Galán sabía de la vida y de la muerte porque estaba encadenado a ambas. Estuvo atado a sus temores, pero a la vez a sí mismo, aferrado a la vida de una u otra forma, hasta que llegó su liberación: la muerte vaticinada que soltaría aquellos eslabones invisibles y gracias a la cual podría, al fin, entregarse a la libertad que tanto ansiaba».[42]
Me quiero morir (1985), óleo sobre tela.
[42] Por: Die Hexe 2 noviembre 2017 – http://www.apocrifa.com.mx/julio-y-la-muerte/
Neomexicanismos es una página en donde artistas comparten obras actuales.
María Nuñez utiliza en sus obras factores dentro de lo cotidiano de México y lo vuelve pintura…
El neomexicanismo deja que el cuerpo se separe de la nación, se habla como debe de ser un hombre, como debe vivir, como el estado nación representa el cuerpo y le da un valor icónico en donde hay un trama del discurso público.
Se construye lo que es la mexicanidad pero estos artistas se reapropian de los simbolizmos que hizó el estado pero ellos hacen un hackeo en donde codifican sus maneras se ser y de representarse a ellos y a los demás. Existe una ruptura de la idea que el estado nación nos dice como tenemos que ser.
El kitsch es ver desde la cultura occidental, es una expresión de la cultura que minimiza culturas… recupera el pop, lo exagerado, lo marginado, main stream.
Existe una misógina en donde términos afectan a la cultura como el “te rajas” o la palabra también es una expresión cultural “puto” estas dos que se relacionan con lo femenino como si fuera menor, como si no fuera fuerte, lo despojan lo crean a la imagen de la mujer inferior.
A esta masculinidad le llamamos tóxica en donde se normalizan problemas de cultura, género, conductas de masculinidad o patriarcado, no significa que todos los hombres sean hemisogenos pero para todos los hombres les es imposible salirse del sistema y realidad actual.
¿Qué pasa con esta masculinidad? Resulta una fuerza que a veces puede llegar a ser imparable, la situación de que el hombre sea el proveedor genera una idea de que el hombre sea el dominante, si reflexionamos podemos darnos cuenta de cómo las mujeres también aportan a la entrada económica de los hogares, sin embargo, a la mujer le agregan las tareas de “ama de casa”.
El contexto del hombre actual viene desde ideas milenarias, no son mentiras si no que son situaciones de la historia que se convirtieron en ideologías de fuerzas, en donde el hombre aprovecho este contexto para aprovecharse de la mujer, también afecto lo que la madre dio a su hijo.
A pesar de esta fuerza cultural que ya vivimos, podemos tener una mirada diferente en donde el hombre quiera tener otro tipo de masculinidad en donde les guste tener una horizontalidad con la mujer, también tener un estudio propio del ser barón en donde se examina cómo son las relaciones con su pareja, qué tipo de vida viven los hombres, tener humildad para aceptar que tienen que analizar su identidad masculina y no solo creer que están en una postura correcta en donde no se tienen que analizar.
Hablando como mujer pienso que valdría la pena que el hombre se salga de su alienación y genere un cambio en el país, para que asi el contexto mejore y hagan reflexión de como dirigir su género con las mujeres en México.
POSTCOLONIALISMO
Se recuperan elementos materiales del colonialismo, en donde a través de las obras, se habla de cuando hubo prejuicios, diferencias de clases sociales, despojo y un imperialismo colonialista. Existe un arrebato de poder en donde se crean identidades subyugadas, todo se convierte en una ficción, se hace una lucha simbólica en donde se genera una narrativa injusta que critica a los demás para la conveniencia de quién crea esta lógica.
Occidente construye la idea de oriente a través de la raza, cultura, identidad, etc. en donde hacen producciones artísticas que ficcionan a la comunidad oriental como objetos, en donde el hombre tiene una mirada con la mujer. Algunos teóricos del Postcolonialismo son Franz Fanon o Honni Baba. Es una manera de mirar y plasmar el concepto de lo que se vivió en el Colonialismo, pero con el tiempo se acepto que los que fueron sometidos también dieran su propio punto de vista, por qué es importante conocer diferentes miradas, no solo de como los colonizados ven si no como ven también los que vivieron este colonialismo, esto abre un espacio de importancia en el existir e inclusión de otros individuos. [8]
GRABADO
Es una disciplina artística en la que el artista utiliza diferentes técnicas de impresión, que tienen en común el dibujar una imagen sobre una superficie rígida, llamada matriz, dejando una huella que después alojará tinta y será transferida por presión a otra superficie como papel o tela.
La Catrina, originalmente llamada La Calavera Garbancera, José Guadalupe Posada.
ANIMACIÓN
Se proyecta una ilusión de movimiento a través del dibujo. El elemento que creo un movimiento en el dibujo fue el zootropo en 1867. Con Walt Disney hubo un gran avance en la animación, a través de la animación televisiva hubo un gran aumento como Los Pica Piedra 1960, Era Moderna, Toy Story 1995 y la mejor película animada en el 2001 fue Sherk.
La animación no es un género en el cine si no una técnica, es un trabajo interdisciplinario en donde hay un trabajo en equipo por ingenieros, animadores, diseñadores, los creadores de las historias. etc. existen diferentes tipos como el dibujo animado en donde se ponen los dibujos en fotogramas, después está el stop motion, la pixelación es una variación del stop motion, la rotoscopía es dibujar sobre una referencia, por ejemplo… Disney antes ponía a bailarines a danzar para que a la hora de dibujar se viera más real y parecido, animación por recortes era un collage y la animación 3d es utilizada con la tecnología hoy en día.
Como conclusión existen más perspectivas de lo que nos imaginamos en la animación y esto ha ayudado a ver las historias con un punto de vista distinto, y esto nos ayuda a ver las historias con diferentes sensaciones.
ESTRIDENTISMO
Si transforman el arte se transformará la manera de como se ve el mundo, 1921 fue su primer manifiesto. Para ellos la ciudad de Jalapa figuraba la ciudad de los futuros debido a que en su momento era el lugar donde existía un avance tecnológico amplio.
Recuperan Futurismo y el Dadá.
Este movimiento genera un cambio e idea de una utopía, no buscan un estilo como tal si no la importancia de poder narrar. Los elementos de la tecnología, debido a que esto crea el futuro es importante en las obras. Operaban con una conciencia global, e integran a artistas de Europa y Latinoamérica, ellos piensan hacia adelante y no se anclan al presente.
Del Estridentismo se desprendió el grupo 30-30 en donde construyeron las escuelas al aire libre, lograron romper con la división de las clases sociales, sacaron su arte de los museos y la compartían como arte popular, en la calle para todos.
Como conclusión esta es una de las primeras vanguardias contemporáneas, en donde a su vez es muy politizada. Liga de escritores y Artistas Revolucionarios, y el Taller de Gráfica Popular, son de la siguiente década.
ARTE DIGITAL
El uso de la tecnología ayuda a leer, reflexionar y entender la realidad.
Electronic Civil Desobedience. Tomasso Tozzi y Stranonet, activistas digitales italianos. El arte digital es efímero, debido a que sucede en el momento y queda la documentación de la pieza. En el caso digital son capturas de pantallas, videos o fotos, etc.
Tienen la idea del arte más como herramienta y no tanto como glamour.
ARTE CINÉTICO
Precursores en el constructivismo y dadaísmo, obtienen interés en la ciencia y la tecnología, cambia el paradigma de lo que es el arte y lo que intentan, es que cuando el espectador se acerca a la obra, entre en una percepción de un movimiento.
Todo está en constante movimiento. La inmovilidad no existe.
Son dos grandes artistas que destacan en el arte, László Moholy y Nagy.
Existen tres dimensiones que influyen en el movimiento de las piezas, lo mecánico, lo natural y visual. Estas obras ópticas buscan que el arte tenga vida propia.
-
- Whirligig, de Lyman Whitaker.
POST HUMANISMO
Es un linaje muy relacionado con la filosofía, que vincula y explora las posibilidades artísticas del arte, la tecnología y la ciencia.
Espacios de representación porte parole 1994 http://www.fundacjaprofile.pl/tree.php?id=241
Por. Krzysztof Wodiczko, Pomnikoterapia, Zachęta, Warszawa 2005, s.89-92
Usa la tecnología para representar las posibilidades de emociones de las personas, también estas piezas representan objetos de un futuro no muy lejano.
Eduardo Kac trabaja las preguntas de ¿Qué pasa si modificamos las vidas que nos rodean?
Recuperan luz de luciérnagas, etc. y le meten luz a un conejo… La modernidad impulsa a preguntarnos como es el mundo, como será y como lo representamos.
EL MUSEO LA MAYORÍA DE VECES ES PÚBLICO
El museo tiene colecciones, en donde los secretarios de cultura, los coleccionistas son los que tienen función en los museos. La diferencia de los museos a las galerías son que en las galerías se comercializan obras.
Patrick Charpenel, ex director del museo Jumex, originario de Guadalajara. Actual director del Museo del Barrio en Nueva York.
Los dueños del informador tienen una gran colección privada los Rocha, Ashida Cueto-Carlos Ashida otro coleccionista, o los dueños de Jumex Eugenio López con su propio museo Jumex.
Amplia movilidad, puede “capturar” a otras piezas del juego según sus intereses.
La reina en los museos ósea los coleccionistas son los que tienen más poder, porque tienen le más poder porque son ellos los que deciden si se gasta el dinero, qué coleccionan, etc. y ellos solo escogen a los directores de cada museo.
Curadores
Ellos analizan como es el tema, la creación de las exposiciones, quiénes escogieron las exposiciones que están en el museo, en qué orden, por qué, qué claves hay para que entiendan la obra, con qué contexto, cómo genero lecturas de obras, las fichas de los museos, el discurso, lo que marca la exposición es lo que hacen los curadores. Para hacer un trabajo de curaduría tiene que haber una investigación, análisis, conocimiento, son quienes construyen la formación de artistas.
No son los dueños de colecciones por lo general, son solo figuras transitorias, sin embargo, como Ashida pueden ser coleccionistas y curadores. Que un curador invita a un artista a trabajar con el también funciona para levantar un museo.
Olga Margarita Dávila es una curadora mexicana, trabaja simultáneamente en Tijuana, Saltillo, Oaxaca y otras ciudades del país. Directora del museo de arte de Saltillo.
Cuauhtémoc Medina, curador mexicano.
Okwui Enwezor, curador nigeriano.
Viviana Kuri, curadora mexicana, directora del MAZ de Zapopan, único museo en la religión que ha sostenido alcance contemporáneo en el arte.
En México no existe una amplia teoría en la crítica de arte. La figura del crítico va más del que le gusta o no me gusta, analiza, sitúa y legitima lo moral. No trabaja para una institución como tal si no que critican en medios diferentes piezas artísticas, al principio escribían en el periódico, pero ahora en sitios web comparten críticas. Pueden apoyar a los artistas y legitimar movimientos, manifiestos.
Guillaume Apollinaire, es conocido por sus escritos, en donde la documentación y el escrito de las obras lo impulsaron.
Lawrence Allow impulsor del Pop Art.
Los galeristas y marchantes, los dealers, los caballos. Son los que subastan arte, se encargan de comercializar y tienen espacios en donde exponen y venden. Por lo general influyen poderosamente en dinero, representan artistas en bienales, exposiciones en el mundo.
Felipe Covarruvias era un profesor en ITESO que cerró un espacio de venta llamado AZUL y daba oportunidad a jóvenes talentosos que no entraban
Galeria Kurimanzutto en la ciuda de México es una de las galerías más importantes de México, es muy controversial por qué ha conseguido redes de la política. En el periódo del PAN esta galería obtuvo una fuerza.
La bienal es una gran exposición cada dos años en donde algunos artistas representan a el país, Cintia Ramirez y Gabriel Orozco.
Los peones son los creadores del arte, los más sacrificados, construyen con su propia voz.
Participantes:
Historiadores de arte: especialistas en arte, consultores, periodistas, curadores, relacionistas públicos. Pablo Elguera no les da lugares importantes en el arte.
El coleccionismo Alterno de Mónica Leyva, 2016-2017 es un ejemplo de hacer una subasta colectiva para lograr vender piezas.
MOV, Vancouver – Janette Casas 2018
El arte contemporáneo nos permite tener una mirada cercana y realista a nuestro contexto histórico y social, el arte olvida en un gran sentido todo el valor comercial y político y trasciende a comunicar situaciones de nuestra vida cotidiana, en donde las piezas artísticas permiten crear inclusión e innovación. Con el paso del tiempo y los sucesos históricos, diferentes artistas se han atrevido a crear manifiestos en donde se identifican y así comparten sus respectivas piezas que siguen los lineamientos que ellos adaptan y creen conveniente para expresar su creatividad a través del arte.
El arte evoluciona con la presencia de la tecnología, la comunicación y las tendencias, en donde las ideas, preocupaciones, participación colectiva, visión e inclusión, se involucran en una pieza que logra ser más que un simple objeto.
_______________________________________________________________________________________________________________
[2] https://es.wikipedia.org/wiki/Laurie_Anderson
[3] https://es.wikipedia.org/wiki/Constant_Nieuwenhuys
[4] https://es.wikipedia.org/wiki/Laurie_Anderson
[5] http://www.artnews.com/2016/06/30/her-ordinary-materials-fluxus-artist-alison-knowles-on-her-carnegie-museum-show/
[6] https://en.wikipedia.org/wiki/Social_practice_(art)
[7] (Michel Focault)
[8] JEAN-LÉON GÉRÔME, EL ENCANTADOR DE SERPIENTES (FINES DE LA DÉCADA DE 1860), ÓLEO SOBRE TELA, 84 X 122 CM. CLARK ART INSTITUTE, WILLIAMSTOWN (MASSACHUSETTS, EE.UU.)
__________________________________________________
[1] Elbert Hubbard, 1908Joseph Nicéphore Niéoce: Vista desde la ventana en Le Gras, 1824.
[2] Joseph Nicéphore Niéoce: Vista desde la ventana en Le Gras, 1824. http://afly.co/lrp
[3] Louis Daguerre, 1839. http://afly.co/lsp
[4] Boulevard du Temple, Louis Daguerre, 1838. http://afly.co/ltp
[5] Cartel para L’Arroseur Arrosé, 1895. https://goo.gl/CGsXZ5
[6] Kinetoscopio, Edison. https://goo.gl/XmGjiu
[7] 1927 Josef Albers “Tables Gigognes”. https://goo.gl/GZjMmx
[8] Charles Chaplin, Tiempos modernos, 1936 https://goo.gl/g2gBBa
[9] Wikipedia, Salon (Paris) https://goo.gl/oJyE3w
[11] EPDLP https://goo.gl/ryfDnG
[12] Gachupines, 15 sep 2016 https://goo.gl/WFwVJV
[13] Sofia Rodríguez
[14] Directmedia https://goo.gl/JbnZCD
[15] The Henry Moore Foundation https://goo.gl/344ccj
[16] San Sebastian – Wounter Homs https://goo.gl/DwXn9d
[17] Preraphaelitepaintings, Sunday, July 11, 2010 https://goo.gl/Rpghyd
[18] January 31, 2011, Edelhaus https://goo.gl/seSpj8
[19] Blahonline.cl, 7 noviembre, 2012 https://goo.gl/3ZSkLe
[20] August Endell, H. 1900
[21] Algargos, martes 8 de octubre de 2014 https://goo.gl/14gKKC
[22] Id arte recicla, 7 de Junio de 2014 https://goo.gl/8Nmfnv
[23] El area 51, 9 de Marzo de 2008 https://goo.gl/8fSLr4
[24] Filosofia Clinica, 1 de Julio de 2018 https://goo.gl/oZHwSM
[26] José Calvo González, 23 de Junio de 2017 https://goo.gl/ificV3
[27] 16 julio de 2012, Bespigares https://goo.gl/EwxwFk
[28] Onzog, 9 de Septiembre de 2012 https://goo.gl/B8M2eJ
[29] Leire Ventas, 1 de Mayo 2017 https://goo.gl/8qR7k3
[30] Saatchi Gallery https://goo.gl/ExXiA4
[31] Arte a Secas, 30 Marzo 2011 https://goo.gl/JXzsLJ
[32] ©2009 Gabriel Orozco; https://goo.gl/FK6WEv
[36] Gustave Courbet https://goo.gl/9Uwo1V
[37] Eva Gonzalés https://goo.gl/KME25X
[38] The Art Institute of Chicago https://goo.gl/5HFTGH
[39] Pablo, 5 Noviembre 2014 https://goo.gl/PLK3E8
Sorry, the comment form is closed at this time.